破洞无痕缝补衣服针法格伦·古尔德 天才孤独求败(组图)

汽车新闻 2020-11-21106未知admin

  埃塞俄比亚不像很多非洲国家一样气候干燥,这里常年比较湿润,破洞无痕缝补衣服针法也养成了当地柔嫩细腻的皮肤。所以当地的妹子虽然皮肤黑,不过皮肤好啊。

  《格伦·古尔德谈话录》逻辑井然,对话内容非常专业,需要读者很熟悉古尔德的生平,本书是古尔德最权威的传记,资料全面,详尽地记述了古尔德从出生到去世的经历。

  格伦·古尔德 (1932年9月25日-1982年10月4日), 钢琴演奏家,以演奏乐曲闻名于世。其演奏以严谨的结构、丰富多彩的变化、生动传神的处理,令人叹为观止。劳累的音乐生活,孤独压抑的生活,营养不良和乱用药物……这一切都严重损害了古尔德的健康,1982年10月4日,古尔德因脑溢血去世,享年50岁零9天。

  人物采访在我的印象里好像很难构成一本书,只是可能达到相近的厚度和样式。它是某一个时段即兴的产物,仿佛一张瞬间拍摄的照片,往往只见树木不见森林。破洞无痕缝补衣服针法所以当读者拿起这本《格伦·古尔德谈话录》,是需要些时间了解本书的主角才能读下去的。本书作者乔纳森·科特特别关照了这一点,写下一篇前言,可视为古尔德的小传。然而即使如此,因为涉及一位钢琴家的专业性,这本谈话录依然存在较多阅读障碍,但对于古尔德的爱好者,又是不可或缺的指导性读物。

  不论人们对古尔德演奏的接受程度几何,在音乐的纯粹性上,他做到了有意思,从到勋伯格。他不喜欢“抒情化”音乐,认为这是简化讨好的创作。

  总的来说,地主和税务官征收的税收尽管繁重,但还没有过度到使得中国农民难以满足所需的最低生活要求;否则,中国人口在黄河流域冲积平原和邻近地区,就不会进行缓慢却极其壮观的扩张,乃至向南进入长江流域;中国农民也不会为建立其上的传统文化和帝国结构提供不断强固的基础—尽管存在为数不少的地方性乃至全局性的问题。

  以钢琴家傅聪的观点—“古尔德弹有意思,对比很多钢琴家我还是宁愿听他的,尽管他有些怪癖,有些太夸张,之处我不太同意”—比较简明地呈现了对古尔德的态度。这也正是古尔德的杰出所在—不论人们对古尔德演奏的接受程度几何,在音乐的纯粹性上,他做到了有意思,从到勋伯格。

  音乐的有意思包含多种可能,有形式上的跨界、本真,有方法上的浪漫、,古尔德的趣味是挖掘音乐里的结构。结构可以对称,也可以不对称,再奇形怪状,总得保持重心才能可控地运动。乐曲也一样,那么音乐的是什么?古尔德在书中第41页的回答是:低音线。他举例说:“海顿最早的协奏曲跟莫扎特最晚的协奏曲之间最大的区别,就是海顿的音乐里,独奏者还要兼奏数字低音的部分。换句话说,他可能坐在大键琴前弹自己的部分,指挥家会坐在另一台大键琴前,根据数字低音的标注随便弹一些音为他伴奏,来加强乐曲的和谐格局”。

  参考古代建筑遗迹,不难从地基的深浅、形状、布局模拟推算出整体的空间。音乐的低音线同样是乐曲幅度的根基。这在古典时期以前最为明显,破洞无痕缝补衣服针法大键琴或低音弦乐器托底,营造出鲜明的线条感。随着大型管弦乐的兴起,呈现出深阔的海平线。音乐的层次像不同地质时期的岩石剖面,条理完整。

  所以反过来说,古尔德对莫扎特以及许多浪漫主义作曲家的轻视态度就很好理解了。记者科特直接就下了断言:“莫扎特的非对位风格似乎可以说是最不适合您的脾性了—您故意远离我们熟悉的那种典型的抒情化表演以达到间离的效果,是一种很奇特的演奏莫扎特的方式”。

  古尔德很喜欢“抒情化”这个用词,即意味着他看到了音乐的类似矛盾。一方面,这种比较简化、讨好的创作产生了朗朗上口的优势,另一方面又促成穿衣服似的千人一面。结果贝多芬最流行的曲目成了《致爱丽丝》,柴可夫斯基是《天鹅湖》选段,舒伯特是《摇篮曲》……大多数世界名曲远非佳作,至少不是代表性的。所以用古尔德的话说,“莫扎特成为自己的那一刻,就在大家的十岁,还是二十岁时,我就对他没什么兴趣了。因为他所发掘出的主要是戏剧舞台天赋……着轻浮的主义风气。”

  这个世界上永远都会是浪漫式的抒情居多,但令人沮丧的是其中的成分少之又少。人们总是忽略那些意义、情感之下巧夺天工的设计,而古尔德为之着迷。

  这一点搁在古尔德著称于世的演奏上,更加尖锐。他说:“的专家们,他们演奏时用了大量的速度。其实他们的诠释方式是基于如何把浪漫派的细腻移到巴洛克上,这就是为什么他们的演奏能如此吸引同时代人的原因……但是对我来说,那不是真正的。”

  古尔德也没有说明什么是真正的,这个世界上永远都会是浪漫式的抒情居多,但令人沮丧的是其中的成分少之又少。人们总是忽略那些意义、情感之下巧夺天工的设计,换言之,音乐的科学性。科学即纯粹—在一个提出之后,千方百计去证明它,这个证明的过程激起恒久的决心和完美。正像生命尽管脆弱,“恰好”就独一无二的完美。

  除了早早地退出舞台,和演奏家一样古尔德时常会有焦虑。科特在第一个问题中回溯他的话:“绝美的音乐要是缺乏理想的再现形式,那它留在人们脑海里的这个记忆就永远也挥散不去了”。这里的“人们”并非针对听众,而是指他自己,或者演奏者。古尔德举作曲家勋伯格为例,每当人们问他谱曲的缘由,感觉就会像解释蜈蚣的一百只脚如何联动,越说越绕。的确,在艺术行业,基本技能可以解说,但创造性的诠释、写作,也就是听众赞叹、被征服的那种魔力,是没有办法传承和普及的。即使钢琴家自己苦苦思索理想的再现形式,也没有确定的规律。为了缓解这样的焦虑,古尔德近乎使用了的方法。

  在首次公演贝多芬第30钢琴奏鸣曲两三个星期前,古尔德开始研究乐谱;还有一个星期的时候,他开始;离演出前还有三天,古尔德发现障碍越来越大。他最终找到一个权宜之计,放大收音机和电视机的声音,以至于几乎听不见自己练琴,也听不见自己的错误所在,渐渐克服了畏难心理。当然,究竟怎么克服,依然是一个大概,他可以对此夸夸其谈,实际上除非天赋,无法领会。

  古尔德演奏时是蜷缩着,鼻尖都快贴近键盘,但他认为:“应该这么弹,因为这样你可以让音色更精致,让声音中钢琴的成分最小化,也更能操控乐器”。理想的再现形式归根到底是的观念产物,具体到古尔德,他的钢琴经过了,以符合对音乐诠释的要求,演奏方式也达到了个性的最大化。古尔德所产生的巨大影响最终只有孤独求败。

  古尔德的兴趣在于自娱自乐,虽然也是追求完美,但很少听众能感觉到他录音编辑的深意。他渐行渐远,躲在自家的录音棚里探索各种可能。

  在本书的第二部分采访里,给我印象最深的是作为技术的古尔德。这是音乐见解和钢琴演奏之外他的另一个独特之处。很少音乐家会对音响感兴趣,卡拉扬更重视的是商业性的处理,如何获取听众的满意度,并留下一个指挥巨人呼风唤雨的形象。古尔德的兴趣在于自娱自乐,虽然也是追求完美,但很少听众能感觉到他录音编辑的深意。所以相形之下,卡拉扬借助录音工业跟听众越走越近,越来越立体,演出、录音、全方位;古尔德却渐行渐远,躲在自家的录音棚里探索各种可能。古尔德对于四声道录音工程的探索,即使在今天也是令开眼界的。

  

  他用了一个生动的比喻,说“彩色能提升黑白影片,但影片不一定非得是彩色的,很多影片是黑白的效果会更好”。这是对音乐的运动性的绝佳阐释。镜头在运动,手指也在运动,导致画面和音符在传递。一般来说,因为结构的原因,越稳定的运动姿态越适合黑白效果,也就是单声道效果,相反,则是立体声效果。比如贝多芬的作品听单声道没有什么损失,的作品听单声道就会削弱。相对于立体声概念,四声道环绕声似乎更接近实际聆听状况,但因此带来的技术问题成倍增加。

  古尔德说:“好处虽然有,弊端则更大。在四声道里,你听着声音从间四个角落传来……就不是绝对的、笔直的、精确的角色定位。”实质上,这就是结构带来的麻烦。有结构才有坐标,坐标越多理论上会越精确,实现起来难度越大。古尔德设想过“在空间里布置更多扬声器”,好像舞台上的返送音箱,可行性却相应递减了。类似的实验,在音乐会现场,不止一次发生过,比如演奏家在观众席里或周围演奏,其效果的确也是递减的,人们从好奇最终还是要回到作品本身的力上。

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